mxdwn interview : Kid Koala sur un nouvel album, des productions en direct et une tournée avec Leilani

Kennedy Oliver-Sorrell 7 juin 2023 - 10:00

Eric San mieux connu sous son nom de scène, Kid Koala a réuni l'art de la narration visuelle avec sa musique. Non seulement un DJ talentueux, mais aussi un producteur, écrivain et artiste, il parvient à utiliser toutes les formes artistiques pour tisser une histoire pour que le public de tous âges puisse en profiter et se connecter. Dans sa dernière itération, avec un plaisir pour tous les jeux de société, cet album est une aventure réconfortante et décalée. Il parle de sa carrière et de sa culture du deejaying, de ses nouveaux projets et bien plus encore.

mxdwn : Tout d'abord, je veux juste commencer par dire que votre carrière a commencé à l'une des époques quintessentielles du hip-hop. L'un des principaux attributs de votre style est votre utilisation des arts visuels et leur mise en œuvre dans le deejaying. Quelle a été l'inspiration pour mélanger ces deux médiums pour la narration?

Kid Koala : Je pense que cela remonte à mes toutes premières expériences d'enregistrement quand j'étais enfant. Mes tout premiers disques étaient ces livres d'histoires que ma mère m'offrait parce qu'elle pensait que cela favoriserait l'intérêt pour la lecture.

La lecture était un moyen d'intéresser les enfants; Je pense qu'elle a lu ça quelque part. Alors elle a dit, d'accord, ouais, je vais essayer ça. J'adore ceux-là, donc je m'évaderais certainement dedans pendant des heures et des heures et des heures. L'idée d'avoir une histoire, les illustrations, le texte, la musique de la bande originale, la conception sonore et le doublage, tout cela était juste là. Donc je pouvais vraiment m'évader dans ces histoires pour toujours. En grandissant, je n'ai jamais vraiment pu séparer les deux. C'était toujours comme une sorte d'expérience multidimensionnelle.

mxdwn : C'est vraiment cool. C'est vraiment incroyable de voir comment les petites choses de notre enfance nous influencent à mesure que nous avançons dans nos carrières. Je suis d'accord, mon intérêt pour la narration a commencé jeune avec les livres. C'est la même chose avec la musique, donc je comprends parfaitement ce sentiment.

Comme nous le savons, 2023 est en fait le 50e anniversaire du hip-hop, et le scratch est l'un des éléments clés de tout le genre lui-même. Je voulais savoir quelles sont les évolutions de l'ensemble des compétences de grattage par rapport à l'époque ?

Kid Koala : Oui. À la base, je pense qu'il est toujours là. Je pense que l'éthos est toujours là, l'idée que vous êtes censé transformer votre propre personnalité en quelque chose. Vous avez accès à tous les équipements auxquels vous avez accès. Vos influences et les trucs que vous aimez, et essayez de faire entrer en collision tous ces univers dans votre propre style, pour ainsi dire.

Pour moi, je pense que gratter en termes de "la platine", dans le contexte d'un instrument, a toujours été ce caméléon. Je veux dire, c'est ce qui m'a inspiré à le prendre en premier lieu. Tous les enfants qui faisaient tout le travail sur les platines à la fin des années 80 et tout, ça a en quelque sorte ouvert toutes ces fenêtres et toutes ces autres possibilités.

Et puis, en ce qui concerne mon travail, je pense que je continue à tenir ce flambeau de juste explorer, juste voir où je peux apporter le scratch et la platine à cet album. Surtout, je pense que l'idée qu'il ne soit pas seulement un instrument solo principal, mais aussi un fond ou un instrument de soutien. De la même manière, un chanteur de fond serait utilisé ou un claviériste ou quelque chose comme ça. La façon dont j'essayais de travailler sur ces morceaux consistait simplement à penser que tout le monde dans le groupe jouait son rôle habituel sur un instrument ordinaire. Comment cela se sentirait-il s'ils étaient tous des créatures avec des platines et des trucs?

mxdwn : C'est drôle que vous ayez mentionné cela parce que je pense à TikTok et à d'autres applications, et nous voyons beaucoup de mélanges, de mashups et d'échantillonnages de rythmes hip-hop plus anciens. Les influences influencent tout le monde et les chansons dans la musique d'aujourd'hui. Pour cette raison, est-il prudent de supposer que l'art du grattage dans sa forme originale et prévue fait un retour ? Si ce n'est pas encore le cas, le fera-t-il ?

Kid Koala : Je pense que comme dans n'importe quelle scène, il y aura toujours ces enfants hardcore qui s'y mettront. Je suis l'un deux. Je suis condamné à perpétuité. Je ne pense pas à des choses que j'entends dans ma tête que je ne peux pas encore réaliser techniquement. Je pratique, vous savez, tourne quotidiennement. C'est une de ces choses où j'ai l'impression, vous savez, si vous regardez simplement The Loneliest Monk ou Louis Armstrong dans leur carrière ultérieure, vous voyez le niveau de maîtrise et de nuance avec lequel ils sont capables de jouer.

À cet âge, vous avez plus d'histoires à raconter, vous avez plus de temps sur votre instrument et cela devient plus simplement une partie de votre ADN. Donc pour moi, je ne sais pas, je me demande s'il revient ou non, ou s'il est sous les feux de la rampe ou non. Je pense que les gens qui ont toujours fait avancer le métier le faisaient indépendamment du fait que quelqu'un écoutait. Vous savez, quand j'ai commencé, presque toute ma première décennie de scratch était juste dans ma chambre, personne n'écoutait.

C'était juste une sorte de temps passé et de voir où je pouvais l'amener. Est-ce qu'il fait son retour ? Je ne sais pas. Je pense à tout ce qui permet de ressentir cet esprit derrière l'élément humain. Je pense que le scratch a toujours été une chose très tactile à faire, à jouer et aussi à expérimenter. Le simple fait de le regarder quand vous le voyez, il y a beaucoup de physique à jouer de l'instrument. Je pense que cela ne se démode pas vraiment quand vous voyez quelqu'un faire son truc et passer un bon moment avec.

Je pense que c'est juste inspirant. Que vous compreniez techniquement ce qui se passe ou non. C'est un peu secondaire. Mais je ne sais pas si cela répond à votre question. Je ne fais pas vraiment attention à savoir si c'est une chose à faire à la mode ou une chose à faire qui n'est pas à la mode. Tout ce que je sais, c'est quand j'ai découvert toute la scène des platines, ce que faisaient ces gratteurs. J'ai dit, je suis d'accord. Ça y est, il faut que j'en apprenne plus. Je dois commencer à trouver comment je peux trouver un travail à temps partiel avant ou après l'école et économiser de l'argent pour une platine. C'est comme ça que ça a changé ma vie et ça continue de le faire.

mxdwn : De plus, nous voyons que la technologie d'aujourd'hui est évidemment avancée et l'aide de cela simplifie les platines en tant qu'instrument. Votre travail est plus facile lorsque vous créez et expérimentez. Dans cet esprit, pensez-vous que cela enlève les compétences de quelqu'un lorsqu'il s'appuie davantage sur l'assistance technique ?

Kid Koala : Oh non, je ne sais pas. Je pense que ce qu'un public recherche, du moins d'après mon expérience, c'est simplement de voir votre esprit s'exprimer, quelle que soit la technologie que vous utilisez. Je ne pense pas que tu puisses être DJ et dire que tu es anti-technologie. Je veux dire tout ce qui est profond, comme une platine vinyle est une technologie, un violon est une technologie. C'est l'idée de la façon dont vous le jouez. Personnellement, je pense que toute technologie conçue au départ a pour but de "simplifier votre vie" ou de rendre certaines tâches plus efficaces afin que vous ayez plus de temps pour faire les choses que vous "voulez faire".

J'ai toujours été quelqu'un qui aime juste le travail. J'aime l'animation, qui est aussi une œuvre qui a des tâches subalternes, très lentes. On pourrait se demander, "pourquoi passeriez-vous du temps à faire ça?" Eh bien, je peux étirer le temps, je peux passer comme un tout, prendre cette tranche de moment dans le temps dans un film et verser tout ce que j'ai dans cette image, puis dans l'image suivante.

Ensuite, d'une certaine manière, c'est presque comme plonger dedans et tirer le maximum de chacun de ces moments. C'est la même chose avec la création d'enregistrements à partir de minuscules éclats de son. Ils sont comme, "pourquoi vous donneriez-vous autant de mal" ou quelque chose que vous savez ? Je ne sais pas, je fais partie de ces gens qui vont dire Legoland, vous savez, certaines personnes diraient, "wow, c'est une perte de temps colossale", mais je suis juste comme, "wow, vous sais, quelqu'un a eu une vision ici."

Et vous pouvez voir tous les composants. Et je pense que ce qui m'inspire, c'est le temps. C'est ce dévouement humain à quelque chose, pas le fait qu'un robot vient d'arriver, l'a fait très vite. Cela ne m'impressionne pas autant que quelqu'un qui choisit de dire : "Hé, je vais peut-être y penser d'une manière différente." Comme la peinture impressionniste de Sarras où il faisait tout à point. Et c'est littéralement les côtés d'un mur. Et il a passé deux ans à faire et, et vous le regardez en quelque sorte en disant : "Wow— quoi, qu'est-ce qui pousserait quelqu'un à décider de créer de l'art de cette façon ?"

Mais nous sommes ici, vous savez, des centaines d'années plus tard, toujours en train de regarder ça comme, "c'est une sorte de belle chose." Quand j'ai vu cette peinture en personne, j'ai juste senti que c'était la vie et l'énergie d'une personne ici, au moins deux ans, vous savez, et vous pouvez le sentir, vous pouvez le sentir dans la peinture. Et je pense que c'est la même chose avec le grattage, comme quand tu vois quelqu'un qui est juste super dopé. C'est comme n'importe quoi. Tu es juste toi, tu regardes et puis tu es juste inspiré par ça. Peut-être pas inspiré de commencer à se gratter, mais chaque fois que vous voyez quelque chose exécuté à ce niveau, cela pourrait être quelqu'un comme, faire quelque chose d'acrobatique. Cela pourrait être quelqu'un aux Jeux olympiques, ou même quelqu'un qui a fait un film ou quelqu'un qui a construit quelque chose avec des Legos. C'est la même chose pour moi. C'est donc plutôt cette partie qui m'intéresse. Personnellement, j'ai l'impression que si la technologie arrive et m'enlève tout ce travail, que reste-t-il à faire ?

je m'ennuierais. C'est presque comme, "Eh bien, quoi? Maintenant, nous avons tout ce temps libre, qu'est-ce que tu vas faire? Personnellement, j'aime le défi. Je pense surtout au scratch, ce qui se passe, c'est que je me souviens quand ils ont développé un mélangeur qui ferait certain les scratchs plus faciles parce qu'ils composaient comme un lancer rapide, un raccourci, un fader et d'autres trucs, ce qui facilitait le scratch de transformation.

Et puis ils sont venus avec ce mélangeur. Cela "a rendu les choses plus faciles", mais les DJ se sont juste ennuyés. Eh bien, d'accord, quiconque comprend cela après une semaine peut transformer ce qui prenait auparavant six mois. Et je pense que la scène elle-même a tellement faim et essaie d'être inventive avec de nouveaux styles et de créer de nouvelles techniques, et juste de nouvelles phrases et un nouveau vocabulaire. Ils ont développé le Crab Scratch à partir de ce fader, ce qui est littéralement impossible sur n'importe quel mixeur précédent.

Donc, vous voyez, à ce moment-là, nous sommes 10 à 20 ans plus tard et cela fait partie du vocabulaire principal du grattage maintenant. Je pense que ça continue juste d'être ce genre de course entre humains et machines pour qu'ils puissent essayer de leur rendre les choses plus faciles en allant juste penser à la machine à chaque fois parce que sinon tu t'ennuies, "comme pourquoi sommes-nous même ici ?"

mxdwn : Et cette soif de nouveauté, je remarque que la nouvelle génération consomme de la musique de cette manière. Ils veulent ce qui est nouveau, ils veulent ce qui est tendance, ils le veulent maintenant. Comment pensez-vous que cela affecte le genre? Pousser constamment vers l'avant et essayer toujours de se surpasser. Est-ce un état d'esprit durable pour les futurs musiciens ?

Kid Koala : C'est intéressant. Je veux dire, c'est peut-être un aparté, mais je pense à certaines de nos productions que nous faisons, comme Nufonia Must Fall ou The Story of the Mosquito. C'est comme quinze personnes sur scène, huit caméras, soixante-quinze marionnettes, vingt décors de films miniatures devant et derrière avec un quatuor à cordes et une platine tournante au piano.

Et plus souvent que cela, je reçois, pour des endroits que nous n'avons pas visités, je veux dire, ces visites sont toujours actives. Des endroits que je n'ai pas visités, je reçois des messages disant, "quand est-ce que tu vas sortir le DVD ?" Et je réponds avec effronterie : "Pourquoi ? Avez-vous un lecteur DVD ?" Mais l'idée que tout soit accessible d'une simple pression sur un bouton, ce n'est pas l'expérience. Le point de ce spectacle est que nous le faisons en direct sous vos yeux. Nous réalisons ce film à partir de zéro, sur scène et à l'écran dans ce cinéma - en direct ! Nous chérissons cette expérience avec ce public chaque soir. Comme si nous n'avions rien, rien n'est pré-enregistré. Nous devons le construire à partir de zéro chaque nuit. Et c'est un peu sacré pour moi. Je suis sûr qu'un jour peut-être après que nous ayons fait le spectacle, comme un millier de fois, ce sera comme, "tu sais quoi, nous devrions filmer ça et peut-être le mettre quelque part." Mais en ce moment, j'aime le fait que vous deviez quitter votre maison et venir au théâtre pour en être témoin ou bien le manquer.

C'est bon, tu vois ce que je veux dire ? Il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire ou regarder, mais pour moi personnellement, j'aime le fait que ce soit en direct et j'aime garder cela en direct. En termes de création d'une expérience unique, nous ajustons même le spectacle. En fonction du pays ou de la ville dans laquelle nous nous trouvons, nous ajouterons différents décors, comme localiser les décors, apporter des liens locaux pour simplement faire savoir aux gens dans le public : "Hé, ce spectacle est pour vous. Ce n'est pas pareil spectacle que nous venons de faire hier soir à Mexico, en Islande ou au Japon il y a deux mois. Chaque spectacle, je veux juste célébrer ce moment, l'aspect live de celui-ci.

Et pour moi, cela revient à gratter. Ce que j'aime dans le scratch, c'est la première fois que je l'ai entendu, je ne savais pas comment ces sons étaient produits. Je l'entendais sur les haut-parleurs d'un magasin de disques, mais je pouvais dire à l'énergie que quelqu'un l'interprétait. Vous savez, quelqu'un a pris cette phrase, l'a hachée et a pu bégayer certaines syllabes et rembobiner et créer rythmiquement ce nouveau motif à partir d'elle.

Et ils y jouent. Comment font-ils ? Encore une fois, c'est la partie qui m'a attiré vers elle. C'était juste que quelqu'un s'entraînait pour apprendre ça, et ça sonne si frais, et ça sonne tellement dans l'instant, comme n'importe quelle performance musicale, n'est-ce pas ? Donc, l'idée de ce dont vous parlez alimente la roue du contenu ou quelque chose comme ça. C'est le genre de choses sur lesquelles je veux être personnellement. Mais cela dit, j'ai eu mes moments. Ma première mixtape, c'était comme une attention déjà courte.

Donc, je ne peux pas trop commenter. Je serais hypocrite de dire : "Oh ouais, genre, et c'était quelque chose de complètement différent. On a juste changé de chaîne et des trucs sur cette mixtape partout et c'était le but, non ?" Ce n'était pas comme si je pouvais dire, oh, n'importe quoi, tout doit être une chanson pop de trois minutes ou plus, ça change. Mais personnellement, je pense que le défi pour moi maintenant est que même avec le scratch, pouvez-vous faire quelque chose comme une pièce de théâtre d'une heure ou une chanson de trois minutes sur des platines ?

Pouvez-vous vous mettre dans une forme où les gens sont amenés dans un petit voyage. À cette époque, c'était encore... Je vais en fait à l'opposé. Comme je sais que le grattage peut, nous pouvons faire beaucoup de grattage en très peu de temps. J'essaie de voir si je peux utiliser le grattage pour raconter une histoire plus longue ou une lecture plus longue si vous savez, pour utiliser un terme journalistique. Les longues lectures que vous appréciez et dans lesquelles vous pouvez réellement vous enfoncer les dents.

mxdwn : Vous avez parlé d'avoir quelque chose pour que les gens reviennent et en 2001 vous avez travaillé avec Dan the Automator, Mike Patton et Jennifer Charles pour sortir Lovage : Music to Make Love to Your Old Lady By. Y a-t-il une chance que nous voyions le retour du groupe Lovage dans le futur ?

Kid Koala : Je veux dire, il y a toujours une chance. Ouais, j'aimerais bien. C'était une tournée vraiment amusante, je pense que nous n'avons fait que douze villes. J'adore, mais c'était un bon moment. C'était définitivement une grande dynamique d'avoir Mike et Jennifer comme une sorte de deux chanteurs principaux jouant l'un contre l'autre de cette façon. Je pense que la dernière fois que j'ai parlé à Dan, il a dit qu'il était partant aussi. Donc je suppose qu'il s'agit vraiment d'essayer de voir si nous pouvons faire venir toutes les autres parties en studio.

Mais il y a toujours une chance avec les projets de Dan. Il travaille aussi tout le temps. Et parfois je serai surpris. Je serai juste dans la Bay Area et il me jouera quelque chose comme "Qu'est-ce que c'est?" Il est comme, "Oh, tu sais…", il aura déjà toute une sorte d'album esquissé et vous vous direz, "Oh, c'est pour quoi ça?" Et il dit : "Tu sais, je ne sais pas, qu'en penses-tu ? Mais je vais te dire quoi, je voterai pour Lovage la prochaine fois que je serai là pour toi.

mxdwn : Merci, oui. Vous savez, de la même manière que vos autres collaborateurs fréquents, The Slew, votre projet avec Chris Ross et Miles Heskett, y a-t-il des projets en cours ?

Kid Koala : Et Dynomite D. Ouais, Dynomite D est le chat principal là-bas. C'est un DJ originaire de Seattle. Nous deux, puis nous avons amené des L's, des recettes de DJ de Seattle, puis Chris Ross, Miles. Donc, quand ce disque a été terminé et que nous avons dû le tourner, Chris Ross et Miles de l'ancienne Wolf Mother ont en quelque sorte rejoint notre équipe live et le P-Love était un chat phénoménal avec qui j'ai tourné plusieurs fois.

Donc ils sont tous comme ça, et maintenant c'est comme une grande famille. Alors euh, oui, y aura-t-il plus de trucs Slew? Je l'espère absolument. Nous avons déjà, comme des versions squelettiques de, je dirais comme 14 titres. Mais encore une fois, le problème en ce moment, plus que tout, est la planification. Plus proximité en termes d'emplacement de chacun. Alors maintenant que les choses s'ouvrent à nouveau, j'espère que nous pourrons tous retourner en studio ensemble.

mxdwn : En attendant, je sais que vous avez un nouvel album que vous venez de sortir. En tant qu'icône de cette industrie, vous êtes connu et vous en avez déjà parlé - vous avez expérimenté et exploré votre son et votre genre tout au long de votre carrière. Vous en avez déjà parlé, mais pouvez-vous en dire plus sur votre processus pour décider quel genre se trouve dans ce nouvel album que vous décidez de présenter ?

Kid Koala : D'accord. Donc, je pense encore une fois, je pense que cela a commencé du côté de la musique, juste en explorant, en enregistrant et en écrivant des techniques. Et voir quel genre de tons j'obtenais, genre de création. Ensuite, une palette de sons à partir de laquelle travailler et certains d'entre eux ont juste commencé à pousser dans une certaine direction afin que l'un puisse se diriger vers un air de juke-box des années 50/60 tandis qu'un autre pourrait ressembler davantage à un Sky 7 pouces ou quelque chose comme ça. Et vraiment, j'ai juste commencé à essayer de voir si je pouvais faire plier la platine dans ces zones et alors que la tonalité commençait à venir, les tonalités ont commencé à revenir. Je jouais de tous les instruments en studio, mais comme disons... "Jump in Shuffle" en est un parfait exemple.

J'ai effectivement pu acquérir une console SoundCraft Series One d'occasion. Je suis sur le point de nerd ici, mais on y va. C'est donc la console que Lee Scratch Perry utilisait dans son studio et ils en avaient une chez Cbgb, vous savez, à New York, comme à l'époque. C'était donc ce genre de petite console dont tout le monde savait qu'elle avait ce son croustillant. Donc la première chose, une fois que je l'ai ramené en studio, j'ai dit, je veux voir si, si j'overdrive tous les préamplis, si j'obtiendrai ce genre de son crunchy en bloc qu'il a. Et il a fait exactement cela. Alors j'étais comme, "Oh whoa, ouais, je veux faire une platine Scotts maintenant."

Mais à travers cette console et overdrive chaque couche et voir si je peux obtenir ce sept pouces, vous savez, le son dub que j'aime. Et c'était vraiment juste s'amuser à pousser l'équipement et la plaque tournante à travers cet équipement dans ces zones. Donc ça a commencé d'abord avec juste, vous savez, le genre de jouer sur les différentes pistes et chaque instrument que j'avais dans mon studio.

Comme si la batterie passait par un certain compresseur, puis par une certaine réverbération et cela donnait l'impression "oh hé, ça ressemble à un son de batterie". Et puis ce genre de juste le laisser aller dans cette direction sur une piste. J'ai donc eu ce genre de débuts, mais à un moment donné, j'ai réalisé qu'il y avait un lien, peut-être, pour cette fois où j'étais en studio. Il y avait peut-être un fil que je pouvais nouer. Et c'est à ce moment-là que je travaillais simultanément sur l'artwork et le jeu de société et que je peignais toutes ces créatures.

Je peignais donc comme un dessin à gratter. Je peignais comme, vous savez, comme une mante sur S1200, une autre créature crustacée sur une clarinette. Simplement s'amuser. Je faisais aussi les peintures qui ont fini par être dans le jeu de société. Donc le disque, vous savez, a toutes ces créatures. Que je peignais en studio, alors ils commençaient à peupler mon espace physique réel dans le studio.

J'avais des dizaines, des dizaines de ces créatures. Juste des peintures et diverses formes d'achèvement tenant des instruments. Et puis j'allais en studio et je disais : "Oh, quel genre de son ce paresseux ferait-il sur une basse fuzz ?" Ces créatures ont commencé à m'informer un peu. Ils sont devenus ma muse, quel genre de sons feraient-ils s'ils montaient un groupe ?

mxdwn : Ce disque a été créé pour accompagner un jeu de société basé sur une histoire mettant en scène une aventure poignante entre des créatures dans le but de sauver leur maison, qui vient en premier dans votre processus de création ? Est-ce l'esquisse d'une histoire qui déclenche la vision sonore ou est-ce la musique qui influence l'histoire ?

Kid Koala : À un moment donné, quand ça a vraiment cliqué, j'ai réalisé que c'était comme, oh, cet album peut être la bande originale de la prochaine étape de production. Comme dans le style de Storyville Mosquito, dans le style de Nufonia Must Fall. Alors j'ai dit : "D'accord, si c'est le cas, alors quel genre de série ou de film allons-nous créer cette fois ?"

Et la réponse était un film d'action. Le premier et le deuxième type de décision ont été pris. C'est devenu très clair. C'est comme, "oh, j'ai besoin de quelque chose dans le troisième acte, j'ai besoin d'une piste de confrontation finale.

Alors Rise of the Tart Gras, c'est ça. Dans l'ouverture, j'ai besoin de quelque chose de vraiment percutant pour le générique d'ouverture et c'est donc ici maintenant. Cette chanson est géniale pour présenter ce personnage et ce personnage. Et puis il y a une petite séquence haute comme si j'avais besoin d'une sorte de musique sournoise, vous savez, de style Scooby Doo. À ce stade, vous savez, pendant qu'ils essaient de se faufiler dans n'importe quoi, vous savez, de pirater l'ordinateur central ou autre. Donc il y avait, il y avait toutes ces choses qui étaient en quelque sorte en train de réaliser, "oh, c'est là que certaines de ces pistes expérimentales pourraient s'emboîter dans l'histoire." Alors que l'histoire commençait à se figer, elle me disait : "Oh, tu avais besoin d'une piste ici pour cette poursuite en moto."

Donc "Highs, Lows and Highways" est mauvais ou pour l'histoire d'amour, comme, vous savez, quoi, que pouvons-nous mettre au cœur de leur rencontre et de leur montage de rendez-vous ou autre. Et donc "When You Say Love", la version instrumentale, même si elle a commencé en dehors de l'histoire, ça a fini par être, "Oh, ça va vraiment bien." J'ai en quelque sorte supervisé musicalement toutes mes sessions pour voir si cela pouvait s'intégrer dans cette bande-son dans mon esprit, et rien de tout cela n'aura de sens. Jusqu'à ce que les gens voient le spectacle dans deux ans. Mais je pense qu'en tant qu'album, vous pouvez simplement l'écouter. C'est un album et il va dans tous ces endroits.

mxdwn : On dirait que vous avez déjà abordé le jeu de société lui-même, mais la musique semble aider à décrire l'histoire elle-même. Ou y avait-il des éléments de l'histoire pré-planifiés ? Un peu comme les os rugueux d'un aperçu d'actes, puis la musique aide à l'embellir.

Kid Koala : Exactement ! Donc, j'ai déjà scénarisé l'histoire. Et pendant que mon cerveau était dans ce monde et que ces créatures étaient sur les murs et que je travaillais sur la musique, ça commençait juste à s'harmoniser au moins en ce qui concerne le concept pour moi. Et donc certaines de ces pistes sont censées être des repères musicaux spécifiques pour certains des storyboards, ce qui n'est pas dans l'illustration. Comme je l'ai dit, personne ne verra ça avant la fin de la série.

Cela dit, je l'écoute toujours d'un bout à l'autre en disant: "D'accord, est-ce que ça part dans ce genre d'aventure? Y a-t-il ces moments?" Est-ce que ça s'équilibre en termes de "d'accord, nous venons de faire ce morceau vraiment sombre où

J'ai présenté le méchant de l'histoire, mais pour quelqu'un qui écoute et ne pense pas à une histoire, y a-t-il un moyen d'apporter un peu de légèreté au ton de l'album ? Je voulais garder l'équilibre entre certaines des choses qui ont un ton plus maussade et certaines des choses les plus ludiques et décalées. Et j'ai des scènes très cartoonesques dans ma tête pour chaque morceau. Encore une fois, je ne suis pas sûr que cela ait un sens parfait pour quiconque en dehors de mon esprit en ce moment. Cela aura probablement plus de sens si les gens voient le spectacle, mais en attendant, j'espère qu'ils apprécieront simplement le disque comme une sorte d'aventure audio.

mxdwn : D'après mes écoutes, je pouvais sentir l'histoire bouger dans ma tête. Donc je pense que ça s'est bien passé pour moi. C'était comme si l'auditeur était Alice suivant le lapin dans ce trou. Donc, vous avez définitivement accompli une aventure sonore.

Kid Koala : Oh, merci, merci. Absolument.

mxdwn : Un peu plus sur les différents processus créatifs. Je veux savoir, sont-ils différents selon le rôle que vous occupez ? Si vous êtes dans le rôle d'interprète, de composition ou de production théâtrale, en quoi ces travaux diffèrent-ils ?

Kid Koala : Je pense qu'avec les nouvelles productions, elles sont multiformes. C'est de la musique, c'est du live, c'est du scratch, c'est de la musique de film, c'est de la comédie, c'est du drame, c'est tout ça. Je pense que c'est juste moi qui essaie de créer ce bac à sable, où, comme toutes mes choses préférées et y compris cette merveilleuse équipe d'artistes talentueux avec qui je peux collaborer et jouer, vous savez, dans ces spectacles. J'ai passé beaucoup de temps, j'ai passé des décennies à faire du deejay tout seul, ce qui est amusant, ne vous méprenez pas.

J'aime toujours faire des soirées rock avec cette méthode, mais une fois que j'ai goûté à "Hé, si nous tous, vous savez, 15 d'entre nous aimons travailler ensemble et que nous parlons, oh, il y a des directeurs de la photographie, il y a un trio à cordes, ou quatuor à cordes…" Quels autres types d'ambiances comme celle-ci m'ont forcé à trouver même de nouvelles façons de jouer de la platine pour les soutenir. Il y a donc de vrais moments émotionnels poignants dans ces émissions. Il y a des moments pleins de suspense et d'action et puis, vous savez, des moments très comiques dans les séries et, et je m'amuse avec eux.

Je ne sais pas. Pour moi, la règle était comme si nous étions en répétition et que nous ne rions pas toutes les 5 minutes, alors nous le faisions mal. C'est donc une de ces choses comme, j'essaie juste de créer du plaisir pendant que nous travaillons sur le processus, mais aussi de présenter quelque chose d'amusant pour que les gens puissent aller et vivre.

mxdwn : Cela rejoint parfaitement ma prochaine question. Vous avez mentionné que le thème notable de cet album était de créer des choses pour connecter joyeusement les gens.

Kid Koala : Oui.

mxdwn : À part cela, quelle était la motivation derrière cela ?

Kid Koala : Quelle est la motivation derrière cela ? Mon souvenir de ce fait était de regarder un film de Charlie Chaplin quand j'avais cinq ou six ans avec ma mère, mes grands-parents et ma sœur. Ma mère a dit, "hey, on va regarder un film en famille." Y compris ma grand-mère qui ne parlait ni anglais ni rien. Toutes ces générations regardent le même film. Et j'étais juste un gamin bratty comme, "ah, allez."

Elle a commencé à jouer Modern Times de Charlie Chaplin. Et vous savez, le film a commencé et j'ai dit, "quoi, c'est un vieux temps." Et donc j'étais déjà en quelque sorte déjà en train de repousser cela. Mais dans les premières minutes, j'ai juste changé. J'étais juste dedans. J'étais comme, "Attends, c'est drôle, qu'est-ce qui se passe?" J'essaie de résoudre ce qui se passe ici et de le reconstituer.

Et il n'y avait pas de mots, c'était en fait juste fait dans ce jeu physique universel et la musique peut en quelque sorte vous pousser émotionnellement à ressentir certaines choses ou à augmenter certaines scènes. Pendant que ce film passait, je me souviens très précisément de toute ma famille, les trois générations riant en même temps et, vous savez, se rongeant les ongles en même temps ou étant émues et être comme pendant les moments poignants chuchoter, calme.

Et je ne savais même pas ce qu'était la production, je ne savais pas ce que c'était quand j'étais enfant, j'étais juste comme, peut-être qu'avant cela, je pensais que tout ce qui était à la télévision était juste la vraie vie. Comme si c'était comme aux infos, comme quelqu'un, n'est-ce pas ? C'est là que j'ai réalisé, j'ai dit "Non, ils ont créé ça pour créer ce sentiment. Toute ma famille va en profiter."

Et c'était, c'est l'une des rares fois où je me souviens des trois générations de ma famille, comme si j'étais totalement enchanté par une œuvre d'art. A ce moment j'ai su. Je ne savais pas ce qu'était le show business ou quoi que ce soit. Je viens de dire, quand je serai grand, je veux faire quelque chose qui donne ce sentiment, quoi qu'il se passe dans le salon en ce moment, nous tous ici ensemble, riant ensemble. Vous savez, être ému par une œuvre d'art ensemble, donc ça remonte à loin. Pour moi, c'est très profondément enraciné, une compulsion à créer quelque chose qui fera cela. Je ne suis pas sûr d'en être encore là, mais je continue d'essayer de m'amuser en cours de route.

mxdwn : Comme nous avons parlé des techniques de narration, certaines sont plus interactives et d'autres sont de style traditionnel. Et vous avez mentionné comment, selon l'endroit où vous allez, vous vous efforcez de le rendre local, de le rendre accessible dans ce domaine. Comment maintenez-vous une histoire cohérente pour briller à travers chaque itération ?

Kid Koala: Eh bien, oui, je pense que l'histoire principale, les scènes et les rythmes de l'histoire sont toujours les mêmes. Mais je pense que lorsque nous y allons, lorsque nous parlons de localiser l'un des spectacles, cela peut parfois être très simple, comme simplement crier la cuisine locale. L'une des vitrines devient suffisante pour que les gens réalisent que c'est comme, "Whoa, d'accord, attendez, je ne regarde pas seulement une histoire ici. Quelqu'un a en fait construit ça et ils sont allés voir, ont visité cet établissement, vous savez. Essayez de concevoir pour ressembler à ça et avoir ce sentiment et pour nous.

Vous savez, je pense qu'il y a une façon de partir en tournée où vous restez simplement dans votre chambre d'hôtel et vous ne vous engagez pas vraiment dans la ville elle-même. Et je pense qu'avec cette tournée, d'autant plus que nous sommes dans une ville, nous restons généralement quelques jours ou une semaine. Nous avons en fait un peu de temps pour sortir, vous savez, après avoir tout mis en place, nous nous disons, "D'accord, allons explorer, voyons ce qu'est cette ville." L'hôte local nous fera simplement visiter les lieux et pendant ce temps, nous essayons simplement d'être présents et de célébrer cela, puis bien sûr de le ramener dans le spectacle.

Juste pour s'amuser avec ça et les gens, le public, généralement vous appréciez ces moments de localisation, vous savez, c'est parce que l'histoire elle-même est, je veux dire, vous êtes généralement très universel en disant Nufonia. Il s'agissait de, vous savez, il s'agissait d'un robot essayant d'écrire des chansons d'amour, mais vraiment une métaphore pour trouver votre voix ou vous sortir de votre propre chemin, vous savez, dans votre tête, mentalement, avant que vous ne le puissiez, tapez dans les bonnes choses.

Même chose avec Mosquito, l'idée de déménager dans un nouvel endroit et d'apprendre et de faire face à l'adversité, mais ensuite d'essayer de trouver une communauté qui comprend, vous savez, ce que vous essayez de faire. Donc, ce sont des histoires très universelles et parfois même tropiques, mais en même temps, je pense que parce qu'il y a une familiarité là-bas, les personnages eux-mêmes peuvent être assez fantastiques. Comme si cela pouvait être un moustique, cela pourrait être un robot, et les gens s'y rapportent presque comme ils le ressentent.

Je veux dire, certaines personnes après les concerts, diront : "Hé, comment as-tu fait pleurer le robot ?" Et on se dit : "Ce n'est pas nous qui avons fait pleurer le robot, c'est vous qui l'avez fait pleurer." Vous ressentiez cela et vous projetiez toutes les expériences que vous aviez parce que les personnages ne parlent pas. Il y a de la musique qui le pousse en quelque sorte, mais je pense que les gens doivent en quelque sorte refléter leurs expériences sur ce personnage. J'ai vécu cela personnellement ou je connais quelqu'un qui a ou quelque chose. Ce n'est pas juste comme, "Hé, je suis ici pour vous montrer des trucs vraiment avant-gardistes que vous laissez aller, "Je ne sais pas ce que c'était?" Je pense que ces émissions sont conçues pour se connecter.

mxdwn: Entre les différents spectacles, diriez-vous qu'il y en a un qui est plus facile à réaliser ou un qui est plus difficile ?

Kid Koala : Oh. Vous voulez dire d'un niveau technique ou juste comme une énergie ?

mxdwn : les deux.

Kid Koala : Ils sont différents d'une manière comme, disons, Satellite Turntable Orchestra où The X Factor est comme, la marge est bien plus grande parce que le public réel interprète la musique avec nous. Ainsi, tout le monde est assis à sa propre station de platine. Ils ont des enregistrements d'harmonie codés par couleur que nous mettons en file d'attente via ces lumières LED colorées qui peuvent changer de couleur.

Donc, disons que votre station tourne-disque devient violette, alors vous devez trouver le disque violet et faire la queue et il y a donc toute une marge de dérive en termes de "précision" du public. Cela dit, je pense que nous l'avons en quelque sorte composé là où ça sonne toujours encore en termes de sensation de la chanson est toujours là, et le public apporte ses crescendos et ses autres harmonies, et ils sont comme un chœur.

Mais ensuite, bien sûr, il y a toujours quelques stations de platines voyous qui sont juste soit elles jouent le mauvais disque, soit elles scratchent tout le temps ou quoi que ce soit. Et cela ajoute en fait un certain intérêt musical à 0, comme personnellement je le ressens, je ressens cette énergie. Mais ce n'est pas le cas, je ne dirais pas que c'est difficile, je dirais simplement que je suis surpris de voir à quel point chaque groupe qui arrive au son des platines Satellite est différent. Nous venons de faire sept spectacles. Il y a quelques semaines, dans une ville, chaque performance avait une façon différente de jouer, ce qui était cool. Comme j'ai vraiment aimé ça, vous savez. Différent en termes de goût, pas de la manière à laquelle on s'attendrait, comme certains des spectacles de l'après-midi où il y avait beaucoup de familles.

Vous savez, certaines personnes pourraient penser, "oh, ça a dû être vraiment chaotique parce que les enfants ont dû devenir fous et casser toutes les aiguilles." Et je me dis, "non, en fait les enfants étaient très, très concentrés." Félix, il est en quelque sorte chef d'orchestre aussi, donc les lumières s'allument. Cela vous indique quel enregistrement sélectionner. Mais il dirige aussi en termes de volumes dynamiques et des trucs comme ça. Il disait, "oh, les émissions de l'après-midi, comme si c'était presque comme si elles étaient programmées, comme elles, peut-être que c'est comme les émissions ultérieures, les gens dessinaient juste pour voir, ce qui est amusant."

Mais il y avait une différence de ton, littéralement. Le spectacle où toutes les tables étaient des familles et où des demi-enfants utilisaient les platines. Il y avait une sorte de concentration naïve à ce sujet. C'était vraiment très beau à entendre. Et puis, de la même manière, les émissions de rock de fin de soirée du samedi soir avaient ce genre de son impétueux et c'était amusant.

Comme si je joue avec ça, comme si c'était presque comme si vous étiez ce que j'imagine si vous êtes dans un club debout et qu'il y a beaucoup de chahuteurs, vous pouvez réellement jouer avec cette énergie et créer des choses sur place , ce qui est amusant.

Donc c'est en quelque sorte, cette dynamique était intéressante. J'adore ça. J'aime le fait que les émissions n'ont pas à être cet emporte-pièce comme, oh, nous faisons juste les mêmes choses encore et encore.

mxdwn : Je sais que tu pars en tournée avec Leilani, peux-tu nous en dire plus sur cette collaboration ?

Kid Koala : C'est vrai, alors je travaillais sur Creatures et j'avais écrit ce morceau qui s'appelait "Things Are Gonna Change". Et puis, par l'intermédiaire d'un ami commun, j'ai découvert son travail et quand j'ai entendu sa voix, j'ai dit : "Oh, elle a cette voix de fille." Ce genre d'énergie Power Puff dont ce morceau a besoin. Cette voix vraiment claire. Et j'ai dit, "Oh. Tu sais, ça pourrait marcher."

Alors je l'ai contactée et elle avait, curieusement, assisté au spectacle Nufonia Must Fall il y a quelques années. Et donc j'étais un peu sur son radar un peu. Et donc, parce que c'était aussi simple que ça. J'ai dit : "Hey, tu sais, serais-tu prêt à crier sur ce morceau ?" Et puis elle a accepté et nous nous sommes tellement amusés à travailler sur ce morceau que j'ai dit: "Hé, essayons, tu sais, faisons quelques concerts ensemble et voyons comment ça se passe."

Il y avait une chimie cool, je veux dire tout d'abord, parlons d'elle une seconde. Je pense qu'elle est phénoménale. Elle écrit, produit, publie et fait ses propres œuvres d'art, et elle peut chanter. Elle a aussi son propre groupe de punk féminin, que j'adore aussi, appelé The Pez Heads. Alors j'étais comme, "Wow, elle est comme tout le paquet, elle est la vraie affaire."

Mais ensuite, quand nous avons travaillé ensemble sur la piste, c'était comme, oh, il y a, il y a une dynamique cool ici où si nous la cassions. Comme dans la tradition des groupes en duo, comme, disons, vous savez, comme White Stripes ou Black Keys ou quelque chose comme ça, combien de bruit deux personnes peuvent-elles faire ?

Mais dans ce cas, au lieu de la batterie et de la guitare, c'est comme une platine et un PNJ et donc nous nous amusons, juste une sorte d'exploration. En quoi cela pourrait-il évoluer ? Nous n'avons fait qu'une poignée de concerts ensemble jusqu'à présent, mais nous sommes toujours comme avant la tournée, vous savez, en train d'essayer quelques trucs puis de les tester pour que ce soit amusant. Je pense que nous sommes tous les deux intéressés à écrire d'autres trucs ensemble en duo. Malgré cela, je pense que tout le monde devrait faire attention à ce qu'elle fait.

C'est tellement dur. C'est vraiment ennuyeux de voir à quel point elle est talentueuse pour quelqu'un de son âge. Soyez si évolué déjà. Comme quand j'ai entendu The Pest, c'était comme "Quand as-tu écrit ça ?" Elle est comme, "Oh, j'ai écrit ça au lycée." Et genre, quoi ? Comment l'avez-vous enregistré ? Sa réponse était que c'était quand elle était à l'université. Mais ces chansons sonnent comme des chansons punk légitimes. Comme s'il avait tout. J'ai donc été époustouflé.

mxdwn : Je peux dire que c'est probablement très excitant pour les gens.

Kid Koala : Bien sûr, je la veux. Pour moi, une partie du simple fait de l'amener sur la route est parce que j'ai l'impression que plus de gens ont besoin de voir ce qu'elle fait. Comme quand je l'ai vue en train de faire les pads en direct comme pas de grille et qu'elle ne faisait rien à chaque live en chantant et, vous savez, en chantant magnifiquement dessus, vous savez, sur certains de ses trucs plus électroniques. J'étais un peu comme, "Comment vas-tu, tu sais?" Et je suis un gars multitâche comme vous le savez, mais même alors je reste juste en retrait, comme quoi ?

mxdwn : Enfin, comme nous l'avons légèrement abordé, mais vous savez, d'autres projets futurs en cours que les fans peuvent espérer ?

Kid Koala : Oui, tout à fait. On va commencer à faire ces événements de jeu de plateau de créatures. Et c'est juste une chose amusante à faire l'après-midi. Nous apporterons des jeux de société et nous apporterons la plaque tournante pour chaque table et j'ai pensé que ce serait amusant de faire une chose amusante l'après-midi. Nous allons donc commencer à le faire dans quelques villes. Ouais, Leilani et moi avons d'autres spectacles comme les boîtes de nuit ensemble et puis, oui, les créatures de la fin d'après-midi.

Et la production scénique est en quelque sorte dans son ère de prototype de storyboard. Et maintenant, cela ne va pas vraiment sortir avant au moins deux ans, probablement parce que nous sommes actuellement en tournée avec The Story of Mosquito. Avec la pandémie, tout a été poussé. Donc en ce moment, nous continuons en quelque sorte plutôt que de simplement commencer notre histoire de visites de moustiques. Cela touchera donc un certain nombre de villes au cours des deux prochaines années. Beaucoup partout. Et enfin, mon travail quotidien en ce moment est en fait, nous sommes en train de produire mon premier long métrage d'animation.

Je réalise donc une version animée CGI de Space Cadet, qui était mon deuxième roman graphique. Et donc c'est en fait un travail à temps plein. C'est mon quotidien. Les week-ends et les nuits, je fais de la musique, mais dans la journée, nous sommes comme, nous sommes ici, nous sommes dans la phase de conception et sur le point de commencer l'animation. C'est sur le devant de la scène pour le moment, mais plus de nouvelles à ce sujet bientôt. Mais oui, tout est en train d'avancer. Je suis juste heureux de pouvoir travailler avec des gens aussi formidables et de repartir en tournée après. interruption de près de trois ans.

C'est tout simplement merveilleux de revoir les gens, plongeant leurs orteils dans le genre, d'accord, vous savez, est-ce que j'aime encore la musique live ou les expériences live ? Et de découvrir qu'ils le font, je pense que c'est un sentiment merveilleux.

mxdwn : C'est incroyable d'avoir tous ces projets créatifs après une période aussi sombre, et c'est ce qui nous a sauvés. Je pense que je dirai toujours que c'est ce qui a sauvé les gens à cette époque, c'est tout l'art créatif que des gens comme vous étaient prêts à partager avec le monde pour prendre le temps de le faire. C'est donc incroyable qu'il y ait tant de choses à attendre et à continuer d'attendre avec impatience. Je tiens à vous remercier une fois de plus de vous être assis avec mxdwn.

Crédit photo : Raymond Flotat